Струнный оркестр vs. струнный квартет: основные отличия и особенности формирования

Струнный оркестр и струнный квартет различаются прежде всего по количеству музыкантов и назначению. Струнный квартет состоит из четырех участников, чаще всего играющих на двух скрипках, альте и виолончели, что позволяет ему создавать камерное звучание и интерпретировать музыку в более интимной обстановке. В то время как струнный оркестр включает в себя большее количество музыкантов, он может варьироваться от десятков до сотен участников, позволяя исполнять более сложные произведения и обеспечивать насыщенное и мощное звучание.

Кроме того, репертуар струнного квартета часто сосредоточен на классических и современных произведениях для камерной музыки, тогда как струнный оркестр исполняет более широкий спектр жанров, включая симфонии и концертные номера. Таким образом, разница между ними заключается как в составе, так и в типе взаимодействия между музыкантами и их подходе к интерпретации музыкальных произведений.

Что не входит в состав струнного квартета

Струнной квартет — один из самых известных и популярных ансамблей классической музыки. Он обычно состоит из четырех инструментов: первой скрипки, второй скрипки, альтовой и виолончели. Вместе они создают гармоничное звучание и могут передавать самые глубокие эмоции и настроения.

Однако, не все инструменты могут быть частью струнного квартета. Например, клавесин не входит в этот ансамбль. Клавесин обычно используется в музыке барокко и раннего классицизма, но в струнном квартете его звучание заменяется скрипкой. Это связано с особенностями инструмента и его роли в ансамбле.

Рояль, известный еще и как фортепиано, не является частью струнного квартета. Фортепиано — универсальный инструмент, способный заменить и сопровождать другие инструменты, однако в квартете его использование обычно отсутствует. Фортепиано может быть слишком громким и перекрыть звук струнных инструментов, что может нарушить звучание ансамбля.

Кто входит в состав струнного квартета

Первый скрипач в квартете струнных инструментов называется "концертмейстером" или "лидером". Этот музыкант обычно играет основную мелодическую линию и является ведущей фигурой в ансамбле.

Второй скрипач играет роль "второго стула" и дополняет мелодию первого скрипача. Его задача заключается в поддержке и украшении основной музыкальной темы.

Альт обладает более низким тоном по сравнению со скрипкой, но контраты резонируют сильнее. Он играет важную роль в гармонической структуре квартета и часто выполняет сопроводительные партии или контрапункты.

Виолончель, самый крупный и низкий инструмент в квартете, исполняет басовую линию, которая обеспечивает ансамблю гармоническую основу и создает глубокий, резонирующий тембр.

Таким образом, формирование состава струнного квартета происходит на основе использования первой и второй скрипок, альта и виолончели. Взаимодействие данных музыкальных инструментов формирует уникальное звучание и дает возможность ансамблю исполнять широкий спектр произведений различных композиторов.

Оркестр — это большой коллектив музыкантов, играющих на разных инструментах, предназначенный для совместного исполнения музыки. Термин в современном смысле используется с 18 века. Оркестр имеет отчётливую структуру, в которой отдельные группы инструментов выполняют определённые функции. Специфическая особенность оркестра заключается в унисонном исполнении партий несколькими музыкантами. Этим оркестр принципиально отличается от инструментального ансамбля, в котором каждый инструмент имеет самостоятельную партию.

Оркестры бывают разнообразные по своему составу. Существуют смешанные, которые объединяют инструменты разных групп, такие как симфонические, эстрадные и другие. А также однородные, такие как струнные, которые состоят из смычковых инструментов или щипковых инструментов, например, «неаполитанский» оркестр из мандолин и гитар. Духовой оркестр может быть чисто медным или с добавлением деревянных инструментов, иногда ударных.

Существует также другой принцип классификации оркестров, который зависит от их функции: оперный, концертный, бальный, садовый, военный оркестр и другие. В европейской культуре симфонический оркестр является высшей формой совместного инструментального исполнительства и состоит из четырех основных групп инструментов: смычковые, деревянные духовые, медные духовые, ударные.

Уникальным явлением являются оркестры, исполняющие музыку народных инструментов и организованные по образцу европейских. В конце 19 века был создан Великорусский оркестр, ставший одним из первых коллективов подобного рода. В СССР они стали популярными, и многочисленные оркестры национальных инструментов были модернизированы (государственные оркестры народных инструментов существовали в столицах всех союзных республик). Однако целесообразность подобных образований, не укоренённых в национальной культуре, была переосмыслена на рубеже 20–21 веков.

Оркестр 17 века отличается богатством тембров и тесситурой, объединяя различные струнные, духовые и ударные инструменты. Важной особенностью является разделение на мелодические голоса и аккомпанирующую группу бассо континуо. На протяжении этого периода характерна нестабильность составов, вызванная обновлением инструментария и случайным подбором инструментов. Постепенная стабилизация связана с зарождением современного понятия оркестровой группы, объединяющей родственные по тембру и динамическим свойствам инструменты. Важным достижением оркестра 17 века является кристаллизация струнной группы.

В первой половине 18 века происходило различение оркестровых групп в зависимости от функции музыки и места её исполнения (церковные, оперные и концертные группы). Оперный оркестр, наряду со струнными, флейтами, гобоями и группой бассо континуо (обычно два клавесина и различные инструменты басовой тесситуры), часто включал трубы, тромбоны и литавры; в церковный оркестр обязательно входил орган. В обоих группах важную роль играла партия инструмента облигато. Концертная группа практически полностью зависела от места и характера музицирования. Руководителем исполнения обычно был капельмейстер, игравший на первом клавесине.

Во второй половине XVIII века произошло значительное развитие дифференциации оперного и концертного составов. Оперный оркестр отличался многообразием инструментов, которые не входили в концертный оркестр, а концертный оркестр находился на стадии формирования. В оперный оркестр включались инструменты, не характерные для концертного оркестра, как, например, в группе ударных инструментов появилась "янычарская музыка" (большой барабан, тарелки, треугольник, малый барабан). Одновременно с обновлением инструментария происходило и изменение составов. В 1780-х годах кларнет получил широкое распространение в опере, и его введение в симфонический оркестр к началу XIX века завершило формирование деревянной духовой группы.

В творчестве Л. ван Бетховена произошло окончательное формирование «классического» состава симфонического оркестра: струнные и парный состав деревянных духовых, включая две флейты, два гобоя, два кларнета, два фагота, и две (иногда три или четыре) валторны, а также две трубы и пару литавр. Позднее такой порядок был назван малым симфоническим оркестром. В Симфонии № 9 (1823) Бетховен начал использовать большой (по современным меркам) состав симфонического оркестра, добавив к струнным и парному составу деревянных духовых видовые инструменты (у Бетховена – малая флейта и контрафагот), а также четыре валторны, две трубы, три тромбона, расширенную группу ударных, включающую литавры, треугольник, тарелки, и большой барабан. Для подобного состава были написаны многие произведения Ф. Шуберта, Ф. Мендельсона, И. Брамса, А. Брукнера, П. И. Чайковского и других композиторов.

В начале 19 века произошло радикальное усовершенствование духовых инструментов: флейта и другие деревянные инструменты были снабжены клапанным механизмом (изобретение Т. Бёма), а натуральные валторны и трубы получили вентильный механизм, сделав их звучание хроматическим. В 1830-х гг. А. Сакс сконструировал новые инструменты (саксгорны, саксофоны). Значительную роль в увеличении состава и расширении тембровых возможностей симфонического оркестра сыграл Г. Берлиоз: в «Фантастической симфонии» (1830) он увеличил струнную группу, со структурировав количество исполнителей в партитуре, и представил характерные инструменты, включая английский рожок и арфу. Эпохой в истории оркестра стало оперное творчество Р. Вагнера: начиная с «Лоэнгрина», группа деревянных духовых увеличилась до тройного, а В 1840-х годах завершилось формирование современной медной группы (четыре валторны, две-три трубы, три тромбона и туба); в «Кольце нибелунга» состав оркестра увеличился до четверного, а к медной группе добавлен квартет сконструированных по заказу валторновых туб.

Музыкальные новшества Николая Римского-Корсакова, использующие основные и характерные тембры в пределах различных составов оркестра, оказали влияние на многих русских композиторов следующего поколения, таких как А. К. Глазунов, А. К. Лядов, И. Ф. Стравинский, а также на творчество западноевропейских композиторов, включая К. Дебюсси и М. Равеля. Развитие вагнеровских тенденций привело к образованию "сверхоркестра" и к обширному использованию возможностей инструментов в составе оркестра.

В 20 веке происходило унификация и расширение состава симфонического оркестра до 80-100 и более музыкантов, а также процесс сокращения за счет более полного использования индивидуальных возможностей инструментов. В этот период также распространились камерные оркестры, увеличилась группа ударных инструментов и в состав оркестра стало включаться фортепьяно. В середине и особенно во второй половине 20 века ударная группа заняла равноправное положение среди других групп оркестра. Это также привело к включению электроинструментов, магнитофонной записи, электрогитары и синтезатора в состав оркестра.

Сейчас наиболее часто встречаемая рассадка музыкантов в оркестре — это американская (первые скрипки слева от дирижера, альты и виолончели справа, деревянные инструменты в центре, за ними медные духовые, ударные слева, контрабасы справа), которую ввёл в 1945 году Л. Стоковски. Кроме неё продолжает использоваться европейская рассадка (первые скрипки и альты слева от дирижёра, вторые скрипки и виолончели справа). В оркестре небольшого состава может применяться индивидуальная рассадка.

Распределение мест в оркестре по американской схеме. Архив Большой Российской энциклопедии.

Крупнейшие оркестры современности: оркестр "Гевандхауза" (1781), Парижский оркестр (1828), Венский филармонический оркестр и Нью-Йоркский филармонический оркестр (оба 1842), Бостонский симфонический оркестр (1881), Берлинский филармонический оркестр и Санкт-Петербургский симфонический филармонический оркестр (оба 1882), "Консертгебау" (1888), Чикагский симфонический оркестр (1891), Филадельфийский оркестр (1900), Лондонский симфонический оркестр (1904), Кливлендский оркестр (1918), Национальный оркестр Франции (1934), Симфонический оркестр Баварского радио (1949), Российский национальный оркестр (1990).

Во второй половине 20 века и начале 21 века оркестры, использующие исторические инструменты или их копии, стали все более популярными в связи с развитием аутентичного исполнительства. Среди них можно выделить такие коллективы, как Concentus Musicus (основан в 1953 году в Вене), Orchestra of the 18th Century (основан в 1981 году в Амстердаме) и Orchestre Révolutionnaire et Romantique (основан в 1989 году в Лондоне).

История формы

Идея создания струнного квартета была воплощена Йозефом Гайдном, основываясь на популярных жанрах камерной музыки конца XVIII века (дивертисмент, кассация, серенада), которые имели свои корни в танцевальной сюите. Гайдн привел к стандартизации квартета как состоящего из четырех частей (до этого камерные ансамбли могли иметь любое количество частей) и определил композиционную структуру, аналогичную симфонии: быстрая часть — медленная часть — менуэт — быстрый финал.

Эпоха Венской классики принесла квартету период процветания, а после Гайдна огромный вклад в развитие этого жанра внесли Моцарт и Бетховен. Во второй половине XIX века интерес композиторов к квартетной форме немного упал (за исключением некоторых значимых случаев, в основном, у Иоганнеса Брамса и Антонина Дворжака), однако к рубежу XX века этот интерес возродился, в частности, в творчестве авторов Второй венской школы. В русской музыке основы квартетной традиции были заложены А. П. Бородиным и П. И. Чайковским, а в XX веке получили выдающееся развитие в квартетах Д. Д. Шостаковича.

Одночастные формы очень популярны, а также многочастные со сглаженным переходом от одной части к другой (attacca). Материал обновляется ещё более радикально благодаря штрихам.

Уже в музыке Веберна для квартетов свободно и разнообразно используются приёмы звукоизвлечения, такие как флажолеты, col legno, sul ponticello; быстрые пассажи, исполненные пиццикато, что необычно для более ранней музыки. В квартетах Веберна такие штрихи могут чередоваться почти каждый такт и даже внутри одного такта.

Это также относится к "Трем пьесам для струнного квартета" Игоря Стравинского, где нет быстрой смены штрихов, но особые приёмы звукоизвлечения используются для создания образа на протяжении всей пьесы. Другие ранние примеры это эпизодическая "Лирическая сюита" Альбана Берга, особенно третья часть с нервозными и стремительными коль леньо. К началу 1970-х годов (а для некоторых раньше, например в струнных квартетах Пендерецкого) эта тенденция развивается до создания сочинений, состоящих почти только из нетрадиционных приёмов звукоизвлечения, которых стало гораздо больше (классический пример — Gran Torso Хельмута Лахенмана). Но даже самые радикальные сочинения в плане материала часто опираются на совершенно академическую, иногда даже школьную логику работы.

Вместо этого, существует целый ряд радикальных подходов к созданию квартетов при сохранении традиционного музыкального материала. Например, второй квартет Мортона Фелдмана может длиться более пяти часов.

Израильский композитор Борис Йоффе, родившийся в Ленинграде и в настоящее время проживающий в Германии, каждый день уже много лет пишет по одной пьесе для квартета, и каждая пьеса имеет свою уникальную развивающую логику, вытекающую из первоначальной мысли. Все эти тысячи небольших пьес становятся частью огромной «Книги квартетов» (нем. Quartettbuch). С другой стороны, учитель Йоффе, известный немецкий композитор Вольфганг Рим, автор двенадцати струнных квартетов, думает в более традиционных рамках этого жанра (его материал может варьироваться от совершенно традиционного до авангардного).

Необходимо отметить, что Витольд Лютославский и Луиджи Ноно написали выдающиеся квартетные произведения (у каждого из композиторов только по одному, но очень важному для современной музыки), а также пять струнных квартетов (и отдельные квартетные пьесы) Брайана Фернихоу, которые очень сложны для исполнения, но весьма привлекательны для слушателя. Эллиотт Картер, продолжающий писать и после своего столетия, в своих пяти струнных квартетах (и в двух "Фрагментах") в разной степени смог выразить некоторые этапы развития этого жанра в музыке второй половины XX века.

Как уже упоминалось, Гайдн был автором музыкальных произведений различных жанров, включая инструментальные и вокальные композиции. Однако особое историческое значение имеют его симфонии, камерные ансамбли, концерты для различных инструментов в области инструментальной музыки, а также две последние оратории — «Сотворение мира» и «Времена года» в области вокальной музыки.

Феноменальный представитель великой венской классической школы. В своем творчестве Гайдн неизменно отражал многообразие австрийского музыкального фольклора, объединяя разнообразные национальные элементы — южно-немецкие, славянские (особенно хорватские), венгерские. Влияние австрийского фольклора было настолько сильным в его произведениях, что он выражал свои музыкальные идеи через темы, близкие к интонациям песен и танцев австрийских народов; использовал подлинные народные мелодии, изменяя их, а также создавал собственные мелодии в стиле и духе народных песен.

Значительную роль в формировании основных жанров творчества Гайдна и его музыкального языка сыграло то обстоятельство, что он провел свое детство в австрийской деревне, окруженный крестьянским образом жизни и прямым контактом с народом. Крестьянская тематика является наиболее характерной чертой произведений Гайдна.

Конечно, картины сельской жизни, изображенные Гайдном, не лишены идилличности — это умиротворенная, счастливая жизнь, танцы и хороводы крестьян, прекрасная природа. Однако неправильно было бы считать это искаженным взглядом на реальность. Ведь крестьянин не только трудится в поте лица, но и радуется и веселится. Народ всегда сохраняет оптимистический взгляд на жизнь, и эту радость бытия Гайдн запечатлел в своих произведениях.

Струнный квартет — это разновидность камерной музыки, при исполнении которой используются струнные инструменты. Его особенностью является однородный тембр звучания и отсутствие необходимости в виртуозном мастерстве. Великие композиторы Вены признали струнный квартет серьезным жанром. Гайдн, который считается основателем жанра, в течение всей своей жизни экспериментировал с квартетом.

Всего он написал 82 квартета, в 1781 году создал "Русские квартеты", в которых заменил менуэты на Schersandy, а фуги на финалы-рондо. В 1790 году окончательно сформировался "квартетный стиль", в котором все голоса слились воедино. Каждый квартет Гайдна уникален.

(по позднелат. camera — комната)

Камерная музыка — это специфический вид музыкального искусства, отличающийся от музыки театральной, симфонической и концертной. Сочинения камерной музыки предназначены для исполнения в небольших помещениях, для домашнего, «комнатного» музицирования (отсюда и название).

Этот вид музыки пишется для небольших инструментальных составов — от одного исполнителя-солиста до камерного ансамбля (см. Ансамбль). Камерная музыка характеризуется экономией и тончайшей детализацией выразительных средств; она обладает большими возможностями передачи лирических эмоций и тонких градаций душевных состояний человека.

Истоки камерной музыки восходят к эпохе средневековья. До конца 16 века это наименование относилось лишь к вокальным жанрам; с 17 века оно было распространено и на инструментальную музыку. В 16—18 веках термином «камерная музыка» стали обозначать светскую музыку, в отличие от церковной (камерная соната, в отличие от церковной сонаты).

Классический камерный ансамбль стал популярным благодаря работам таких композиторов, как И. Гайдн, В. А. Моцарт и Л. Бетховен, которые создали прекрасные образцы музыкальной формы и содержания. Он обладает богатыми возможностями для выразительных проявлений, и почти все композиторы 18-20 веков обратили внимание на этот тип ансамбля, особенно на смычковый квартет, отражающий различные направления музыкального искусства.

Он восхищался романтикой (Ф. Шуберт, Ф. Мендельсон, Р. Шуман), а также композиторами более позднего времени (И. Брамс, А. Дворжак и другими); камерные ансамбли русских композиторов (П. И. Чайковский, А. П. Бородин, А. К. Глазунов и другие) отличались высоким исполнительским мастерством, их традиции были продолжены советскими композиторами (Н. Я. Мясковский, С. С. Прокофьев, Д. Д. Шостакович и другими).

Изменения в музыкальном искусстве в 19 веке

В музыкальном искусстве 18 века и особенно в 19 веке вокальная музыка заняла важное место. У Ф. Шуберта, Р. Шумана и других романтических композиторов сформировался новый жанр художественной песни с многообразными выразительными возможностями (см. Песня). В России жанры песни и романса получили богатое развитие благодаря таким композиторам, как М. И. Глинка, А. С. Даргомыжский, П. И. Чайковский, А. П. Бородин, М. П. Мусоргский, Н. А. Римский-Корсаков, С. В. Рахманинов и другие. В это время стала популярной инструментальная миниатюра (характерные пьесы, пьесы в танцевальных формах и т. д.).

В 19 веке стали проводиться публичные концерты классической музыки, в основном в небольших залах, появились организации любителей классической музыки, а также множество камерных ансамблей исполнителей.

Камерная музыка изначально предназначалась для исполнения в небольших помещениях, в отличие от музыки для церкви или больших залов. Однако постепенно ее исполнение на публичных концертах изменило это значение.

В истории музыкальной камерной сферы можно выделить три периода: 1. Время от 1450 до 1650 годов, отличающееся активным развитием игровой техники на виолах и других инструментах, постепенным формированием чисто инструментальной музыки при сохранении преобладания вокального стиля. Среди сохранившихся произведений этого периода, написанных специально для инструментальных ансамблей без вокальной части, — фантазии Орландо Гиббонса (1610) и канцоны и сонаты Джованни Габриели (1615).

2. В период с 1650 по 1750 год было очень популярно исполнение трио-сонат (обычно для двух скрипок и виолончели с клавиром, который обеспечивал гармоническую основу), а также других ансамблей, как инструментальных, так и вокальных, с обязательным сопровождением цифрованного баса на клавишных инструментах. Среди выдающихся композиторов этого времени были Арканджело Корелли, Генри Пёрселл и Гендель.

В период с 1750 года и до наших дней струнный квартет, состоящий из двух скрипок, альта и виолончели, играет важную роль в камерной музыке. Основной формой современной камерной музыки является трех- или четырехчастный сонатный цикл. В отличие от оркестровой музыки 19 века, камерные жанры остались верны свободным и часто программным формам. Ограниченные тембровые возможности камерных ансамблей не позволяют создавать яркий колорит и сильные драматические эффекты, поэтому они мало повлияли на развитие камерной музыки.

Современная музыкальная палитра камерных инструментов до сих пор укоренилась в творчестве великих композиторов: струнные трио и квартеты Гайдна и Моцарта, струнные квинтеты Моцарта и Боккерини, а также квартеты Бетховена и Шуберта. В следпериоде многие известные композиторы различных стилей направлений, таких как романтизм, импрессионизм и экспрессионизм, также писали камерную музыку, но лишь отдельные произведения были широко распространены: например, фортепианный квинтет Шумана, трио, квартеты, квинтеты и секстеты Брамса, струнные квартеты Дебюсси и Равеля.

По общепринятой классификации, термин "камерная музыка" включает в себя дуэты, трио, квартеты, квинтеты, секстеты, септеты, октеты, нонеты и дециметы, с различными инструментальными составами. К камерной музыке также относятся некоторые сольные жанры с аккомпанементом: например, романсы (камерная вокальная музыка) или инструментальные сонаты (камерно-инструментальный жанр). Имеется "камерная опера" (например, Р. Штрауса "Ариадна на Наксосе", 1925), включающая небольшое количество исполнителей и создающая камерную атмосферу. Термин "камерный оркестр" относится к оркестру, состоящему из не более чем 25 исполнителей (т.е. типичный оркестр эпохи Гайдна и Моцарта); однако следует различать "малый оркестр", который является уменьшенной версией "большого оркестра", и "камерный оркестр", в котором лишь по одному исполнителю на партию (возможно, по два исполнителя на первых и вторых скрипках и альтах) и каждая партия имеет достаточную самостоятельность.

Духовой оркестр

Почти у всех видов оркестров есть семейство духовых инструментов. Это включает в себя медные и деревянные инструменты. Некоторые оркестры состоят только из духовых и ударных инструментов, таких как духовые и военные оркестры. В первой группе корнеты, горны разных видов, тубы и баритон-эуфониумы играют основную роль.

Второстепенные инструменты включают тромбоны, трубы, валторны, флейты, саксофоны, кларнеты, гобои и фаготы. В большом духовом оркестре обычно увеличивается количество всех инструментов. Иногда редко могут добавляться арфы и клавишные.

Репертуар духовых оркестров включает:

• Марши.
• Бальные европейские танцы.
• Оперные арии.
• Симфонии.
• Концерты.

Главным образом, духовые оркестры исполняют свои концерты на уличных площадках или сопровождают шествия из-за их мощного и яркого звучания.

Их ассортимент состоит преимущественно из произведений народного происхождения. А какие инструменты они используют? Каждая нация имеет свои. Например, в оркестре русских народных инструментов присутствуют: балалайки, гусли, домры, жалейки, свистульки, баяны, трещотки и многое другое.

Чем отличается струнный оркестр от струнного квартета

Интересный факт: ученый-физик Альберт Эйнштейн, чтобы разгадать сложные вопросы, играл на скрипке, пока не приходило решение. Потом вставал и говорил: "Наконец-то я понял, в чем тут дело!"

Структура симфонического оркестра

В Древней Греции исторически оркестром называлось место, предназначенное для хора (греч. орхеомай – танцую). В настоящее время термин "оркестр" используется для обозначения определенного набора музыкальных инструментов, которые соединены в органичное целое благодаря глубокой взаимосвязи их тембров. Музыкальная практика развила различные виды оркестров, каждый из которых имеет свой уникальный состав инструментов и их количество. Основные типы включают оперно-симфонический, духовой, оркестр народных инструментов и джаз-оркестр.

Симфонический оркестр, в свою очередь, имеет различные разновидности. Например, камерный оркестр (10 – 12 человек) создается для исполнения старинной музыки в том составе, для которого она была написана (Бранденбургские концерты Баха, Concerto grosso Вивальди, Корелли, Генделя). Основу камерного оркестра составляет струнная группа, дополненная клавесином, флейтой, гобоем, фаготом и валторной.

В мире современной музыки, обращение к камерному оркестру может быть обусловлено поисками новых способов самовыражения (как, например, в опере "Нос" Дмитрия Шостаковича, его 14-ой симфонии, или в Concerto grosso для двух скрипок и камерного оркестра Альфреда Шнитке, созданном в 1977 году), либо обусловлено практическими соображениями. Так было при создании Игорем Стравинским "Истории солдата" в 1918 году: "…наши театральные ресурсы были очень ограничены… и я не видел другой выход, кроме как использовать состав, включающий наиболее характерные инструменты высокого и низкого регистров. Из струнных – скрипка и контрабас, из деревянных – кларнет и фагот, из медных – труба и тромбон, и, наконец, ударные, за которыми играл один музыкант".

Струнный оркестр включает в себя смычковую группу оркестра (как, например, в "Серенаде для струнного оркестра" Петра Чайковского или во Второй симфонии Эрнста Оннегера).

В конце XVIII века, когда завершался творческий путь Гайдна и Моцарта, и появились первые симфонии Бетховена, сформировался небольшой (классический) оркестр. Его состав:

Струнная группа: скрипки I, скрипки II

Деревянные духовые: флейты 2, валторны 2 — 4, литавры 2 — 3

Медные духовые: гобои 2, трубы 2

Ударные

Квартет в романтическую эпоху

Тень великого Бетховена тяжело лежала на музыкантах, которые следовали за ним, особенно в области квартета, больше, чем в симфонии. Шуман, Мендельсон или Брамс приблизились к образцу Бетховена, но не превзошли его. Следует отметить исключение Шуберта (автора 15 квартетов), который нашел в своих последних трех квартетах — а В квинтете для двух виолончелей — личное выражение законченного гения: современник Бетховена, он скончался всего через 18 месяцев после него.

У романтиков композиторов квартет имеет огромное значение. Он символизирует усилия, концентрацию и строгость. В XIX веке немецкие и французские композиторы создали 14 квартетов, принимая во внимание определенные исключения к концу века. Эстетика Gesamtkunstwerk Вагнера, програмная музыка Берлиоза и Ф. Листа, а также хроматическая и оркестровая сила Вагнера, Брукнера, Малера и Рихарда Штрауса привели к потере интереса к квартету со стороны других композиторов.

В разногласии между сторонниками чистой музыки — представителями немецкой классической школы, такими как Ганслик и Брамс, и защитниками программной музыки, включая Листа и его круг в Веймаре, струнный квартет отдает предпочтение первому жанру: прослушивание квартета сравнивается с контемпляцией музыкальных форм для себя, в отличие от прослушивания, которое руководствуется поэтической программой.

Примечания и ссылки

1. Информацию о книге «Инструментальная и камерная музыка во Франции в эпоху Моцарта (1991)» Марка Вигналя можно найти на странице 357 издания Ле дез концерт музы (CMBV) 1997 года.
2. Консорт альтов представляет собой замечательное предназначение для стринг-квартета. От Кристофера Тая до Перселла нет сомнений в том, что равноправие и независимость голосов являются абсолютными, а забота о форме неоспорима. Предпочтение к произведениям и их близость кажутся общей и главной заботой обоих жанров.
3. Источник: страница 73.
4. Вашон (1731–1803) после службы у принца Конти (1761) начал свою карьеру как солист в Духовных концертах. Вернувшись из Лондона, он служил у Фридриха Вильгельма II Прусского примерно с 1784 года, а затем у Фридриха Вильгельма III. Хотя он был скрипачом, он также играл на виолончели.
5. Жан Массен и Брижит Массен, Моцарт, Париж, Файяр, колл. «Основы музыки», 1987 г. (1-е изд., 1959), 1202 р. (ISBN 2-213-00309-2, OCLC), стр. 634.
6. Патрисия Курше-Саварит, Жан-Батист Даво (1742-1822), Шесть струнных квартетов opus 6 (1773): происхождение и распространение произведения: эссе с критическим изданием, Руан, Mémoire de Maîtrise, 2000 г., 252 с. (OCLC)

Сегодня музыка струнного квартета перешагнула границы великих произведений Гайдна. Многие артисты и ансамбли находят пути, чтобы увлечь аудиторию, исполняя композиции популярных музыкантов

Несмотря на то, что я обожаю квартеты Гайдна, для кого-то с нетренированным слухом обложка «Истории любви» Тейлора Свифта (смотрите на YouTube) скорее всего, заинтересует их и привлечет внимание

Я видел, как молодые музыканты из ансамбля поп-струнных инструментов Berklee исполняли хитовую песню Фаррелла Уильямса "Happy" (можно посмотреть на YouTube). Если такой кавер сможет вдохновить кого-то на изучение струнных инструментов и развитие своего таланта, то этот человек может стать великим композитором, который создаст и изменит мир струнного квартета.

Адам Нейман, пианист и композитор, написал свой первый струнный квартет в 2011 году и исполнил его 16 июля 2012 года на фестивале камерной музыки в Сиэтле. Этот квартет с пятью движениями совсем не похож на классические квартеты. Я нашел это волнующим музыкальным произведением и надеюсь, что это только первый из многих струнных квартетов. Послушайте выступление Струнного квартета Неймана на YouTube.

История струнного квартета

Франц Иосиф Гайдн — отец струнного квартета, он ввел этот жанр в музыкальную практику. Ранее струнные квартеты не пользовались большой популярностью, так как этот жанр не существовал как самостоятельный. Гайдн начал писать музыку для струнных квартетов по случаю, когда его пригласили в дом барона Карла фон Йозефа Эдлера фон Фюрнберга.

Когда Гайдну было предложено исполнить камерную музыку, ему пришлось собирать ансамбль из двух скрипок, альта и виолончели. От первого квартета Гайдна до его последнего видно, как композитор развивал форму струнного квартета. Структура струнных квартетов опус 9 стала классической для этого жанра. Вы можете послушать его струнный квартет до мажор, соч. 9, № 1 на YouTube.

Обычно музыка, которая написана для струнного квартета, отражает четырехчастную форму оркестра: быстрое первое движение, за которым следует медленное второе движение, танцевальное третье движение и быстрое четвертое движение. Из-за ограничений в четырех инструментальных частях музыкальная форма преуспевала в классическом периоде — время, когда преобладал музыкальный консерватизм и совершенство формы. Говорят, что поистине музыкальные способности композитора можно оценить по тому, насколько хорошо он может писать музыку для струнного квартета. После Гайдна было несколько композиторов классического и романтического периода, которые успешно писали музыку для струнных квартетов.

Известные композиторы струнного квартета

Существует множество известных композиторов струнных квартетов, но перечисленные ниже композиторы считаются большинством музыковедов наиболее влиятельными.

• Наслаждайтесь прослушиванием струнного квартета Мендельсона ля минор, соч. 13, № 2 на YouTube
• Франц Йозеф ГайднПрослушайте струнный квартет Гайдна, соч. 76, № 3 «Император» на YouTube
• Франц ШубертСлушайте струнный квартет ре минор Шуберта, № 14 «Death and the Maiden» на YouTube
• Людвиг ван БетховенПрослушайте струнный квартет Бетховена ми-бемоль мажор, соч. 127, № 12 на YouTube
• Вольфганг Амадей МоцартПрослушайте струнный квартет Моцарта ре минор, № 15, К. 421 на YouTube

Описания

Виолончель (читается как чел-о) — это музыкальный инструмент с четырьмя струнами, который является одним из четырех членов семейства скрипок. По сравнению с другими струнными инструментами он отличается тем, что звучит ближе к человеческому голосу. Он способен воспроизводить широкий диапазон звуков; от низких до высоких нот. Струны виолончели настроены на октаву ниже альта. Вместе со скрипкой, альтом и контрабасом они составляют семейство скрипичных музыкальных инструментов.

Виолончель используется как сольный инструмент, в оркестрах, в камерных ансамблях. Ее также можно услышать в симфонических оркестрах в составе струнной секции и в рок-группах. Обычно в оркестре играют от восьми до двенадцати виолончелистов, они исполняют мелодию и гармонию. Виолончель играют сидя, шея инструмента лежит на левом плече, корпус между коленями, а нижняя часть на земле, опираясь на позвоночник или конец иглы. Левой рукой нажимают на струны, а правой перебирают или перемещают смычок.

Струнный инструмент контрабас, также известный как бас, является единственным современным инструментом, настроенным на четверть ниже стандартной октавы. Это самый крупный и самый низкочастотный инструмент в современном симфоническом оркестре, с его струнами настроенными на октаву ниже. Контрабас играет важную роль в струнной секции оркестра или концертного ансамбля, а также часто используется в сольных выступлениях, камерной музыке и различных жанрах, таких как джаз, кантри, фолк и рокабилли.

Длина контрабаса от рулона до иглы равняется примерно 180 см. Доступны разные размеры, подходящие по росту игрока и размеру руки. Инструмент обычно изготавливается из разных видов дерева: спинка – из клёна, верх – из ели, накладка на гриф – из черного дерева. При игре на контрабасе игрок стоит прямо позади и немного справа от инструмента, который вертикально установлен на контактном штыре. Левая рука давит на перекладину на грифе, а правая играет на струнах или натягивает на них смычок.

Виолончель против контрабаса

Каковы различия между виолончелью и контрабасом?

Оба инструмента являются четырехструнными смычковыми инструментами, имеющими широкий диапазон звучания, близкий к человеческому голосу. Однако виолончель настроена на квинту и одну октаву ниже альта, в то время как контрабас настроен по четвертям. Диапазон виолончели составляет около 5 октав, в то время как контрабас имеет максимальное расширение в 4 октавы. Кроме того, виолончелист сидит во время игры, в то время как контрабасист играет стоя.